20 filmer om dubblar och Doppelgangers

I en kultur av mobiltelefon-knäppta selfies är det svårt att föreställa sig en tid då människor kan ha varit rädda för sin egen bild. Men Facebook-väggar och Instagram matar motsatsen, för den mycket längre delen av mänsklig historia, att se en perfekt kopia av dig själv var en obehaglig händelse, omöjlig även, exemplifierad av tron ​​som delas av vissa infödda stammar i fotografiets tidiga dagar, att det kan ta bort din själ. Eller kanske var de bara super försiktiga när det gäller ägande av sin varumärkesimage.



Hur som helst är det en bred benämning som ges till fenomenet - som, liksom all den bästa terminologin, är ett lånord från tyska - doppelganger-teorin, som hyser denna veckas frisläppande, Denis Villeneuve’; s “;Fiende”; (vår stellar TIFF-granskning här) så noggrant som den gjorde Jose Saramago källa roman. För även om dopplegangeren ibland kan vara av en busig eller trickster-ish böjd, är ofta att se en egen dubbla en fruktansvärd upplevelse, ibland till och med dödets harbinger. Med sådana mytiska rötter, och en så nära korrelation med faksimilerna som filmtekniken kunde producera, är det kanske inte konstigt att filmtraditionen i doppelgangern är så lång och så varierad. Dessutom verkar det uppleva ett zeitgeist-y-ögonblick just nu: efter “; Fiende, ”; Richard Ayoade‘ lika lönsamt “;Det dubbla”; starring Jesse Eisenberg kommer att öppna om en månad också.

Vi var faktiskt hårt drivna för att hålla denna lista på något sätt hanterbar, och så vi gick egentligen bara med tarminstinkt på vad vi gjorde och inte inkluderade. Så medan vi försökte göra vårt urval lika eklektiskt som kanonbefogenheterna, så är det verkligen den tematiska resonansen i doppelganger-teorin som vi förblir mest fascinerade av: de kraftfulla, ibland filosofiska frågor som den kan ställa om identitetens natur, själen och hur viktigt det är för vår känsla av oss själva inte bara att vara mänskliga, inte bara att vara viktiga utan att vara unik. Här är 20 filmer som är bra och dåliga, som komiskt, dramatiskt eller oftast kämpar med dessa idéer.



'Vertigo'(1958)
Kanoniseringen av HitchcockKlassiker som 'Sight and Sound's' Greatest Film of All Time '(efter att den tippats Welles' 'Citizen Kane”Utanför den specifika klockstapeln 2013) gör det enkelt att glömma precis vilken djup knullad, fantastiskt snodd film den verkligen är. Ofta bedömde regissörens mest personliga film, den kastar den ultimata filmiska Everyman, James Stewart, som den trasiga, ossifying, resolut un-heroiska Scotty (låt ’; inte glömma att han inte räddar tre olika människor från att falla till sina dödsfall under filmen). Han ansluter sig bara till världen genom en tvinnad besatthet med en kvinna som inte själv är verklig (hon ’; en skapelse utformad för att locka och intriger honom), och efter hennes död händer han på hennes dubbla, och devolves till ett monster av kontroll och en slav till sin egen värsta natur (man, kretsar den här filmen härligt i de mörkaste fördjupningarna av psyken). Nästan för noir för noir, det är naturligtvis också den ultimata dubbelfilmen, eftersom Scotty handlar om att göra om Madeleine (Kim Novak, vars lilla självmedvetande som skådespelerska fungerar briljant här genom att aldrig låta oss glömma schismen mellan Judy och “; Madeleine ”; och även mellan “; Madeleine ”; och det verkliga offeret för den ursprungliga tomten). Den kanske mest lysande vridningen av allt i denna djärva film är dock Hitchcocks etablering av en ton av krypande rädsla, som han gör så skickligt att även när vi upptäcker mysteriet inte har den övernaturliga aspekten som har retts så länge, vi är så långt ner i kaninhålet i Scottys perverse psykologi att vi är ganska hemsökt ändå. [A +]



'Véronique: s dubbla liv'(1991)
Om dubbel- / doppelgängergenren ofta kommer chock-a-block med läskiga, psykologiska skräcktoner som utforskar identitet, kampen för förnuft och liknande mindfuck-skräck, då Krzysztof Kieslowski'Ta är det polära motsatsen. Tycka om Andrei Tarkovsky'S'Solaris”(Och i mindre utsträckning remaken) har Kieslowskis undersökning av dualitet en mycket mer metafysisk, andlig och existentiell böjning (ungefär som de flesta av hans oeuvre). Utan att någonsin använda sci-fi eller genre tropes var den polska filmskaparen alltid konsumerad av universums mysterier och intuitiv mänsklig natur - till exempel den otrevliga känslan bakom saker som déjà vu – och ‘ Veronique ’; var inte annorlunda. Hans vackra mus Irene Jacob (som också skulle starta i sin sista opus “; Red”;), spelar rollerna som två kvinnor oupplösligt, men mystiskt anslutna, som bara kort interagerar. Den ena är Weronika, en ung polsk sångare som dör plötsligt, strax efter att ha sett sin doppelganger på ett Krakow-torg. Hennes dubbel är Véronique, en fransk musiklärare som plötsligt konsumeras av en krossande existensiell sorg, som filmen antyder är den omedvetna sorg hon känner när hennes andra hälft dör. Rytmiskt gåtfull, gorgeous svårfångad och djupt sensuell, under allt det uttrycksfulla humöret, ligger en djupt rörande och tankeväckande bild. Och som alla Kieslowski-filmer, stavar inte filmen någon av sina avsikter utan lämnar tittaren med ett underbart skimrande och poetiskt förslag om en människas otydliga inre. En vacker och hypnotisk fabel om kärlek, mänsklighet och jaget, 'Véronique: s dubbla liv”Är ett av Kieslowski s många mästerverk om det mystiska medvetsmedvetna. [A]

“;Prestige”; (2006)
Om du trodde “;Början”; var en mindfuck, Christopher Nolan’; s “; Prestige ”; kanske bara får det att slå, i en labyrintisk berättelse om rivaliserande trollkarlar och de desperata längderna båda kommer att gå till för ett trick. Baserat på det fantastiska Christopher Priest roman med samma namn (till och med efter att ha läst boken, tog det oss ett par rundor med filmen för att lossa dess fantasmagoriskt komplexa komplott) filmen poserar positivt med dubblar och doppelgangers tills en slutlig avslöjning som i själva verket är mindre spännande än några av de andra vändningarna som har hänt på vägen. Speciellt den maskin som byggdes av Nikola Tesla (David Bowie i några av de mest “; ja snälla! ”; casting någonsin) för att aktivera The Great Danton (Hugh Jackman) för att emulera The Professor ’; s (Christian Bale) “; Transporterad man ”; trick där han försvinner och återkommer omedelbart på andra sidan scenen. Medan varje man har sin egen dubbla delplan, är det kanske mest intressanta metatema hur dessa stora rivaler speglar varandra också, speciellt återspeglas i deras tvångssamma men svåra relationer med sina fruar och älskare (Piper Perabo, Rebecca Hall och Scarlett Johansson). Rik på perioddetaljer, vackert skjuten och spelad, filmen försöker för många svårigheter att hålla fast landningen, och några av dess teman kan gå förlorade när vi kämpar för att ta reda på vilken version av vem som gjorde vad, men det är fortfarande ett underbart skiktad pusselbox i en film, med en sci-fi-twist som ger den en obehaglig ton som är helt trogen på skumheten i romanen, men ändå unikt Nolan också. [B +]

“;Mannen som spökade sig själv”; (1970)
Ett utmärkt exempel på en doppelganger-film som blir så förvirrad i sin premiss att den har svårt att hitta en väg ut, detta Roger Moore curio, regisserad av produktiv brittisk regissör Basil Dearden har kanske mer att rekommendera det idag för Moore-fans (till vilken denna trailern verkar verkligen spela), och som en tidskapsel för sina välskötta London-platser. Som en verklig historia hänger det dock knappt ihop: en styv, respektabel familjeman dör kort men återupplivas sedan för att så småningom inse, via en hel del “; men jag såg dig igår! ”; “; Nej, du gjorde inte ’; t! ”; -typ möter att han dogged av en dubbel. Inte bara det, men när han i allt högre grad går i stycke, verkar det dubbla bara någonsin bli mer urbane och suave (och med Moore inblandad, vår suav-O-meter nål var utanför ratten ibland), med en het flickvän och en blixtbil och ett skick för snooker. Stimuleringen är draggy, och skådespelaren, utanför Moore som är spel, är dålig, men det finns tillräckligt med sena sextiotalets brio för hur filmen sätts ihop (massor av röda filter och extrema närbilder för att beteckna fragmenterade tillstånd av sinne) för att få det att avleda tillräckligt. Bara inte förvänta sig ett frigörande som på rätt sätt svarar på galenskapen mot fysisk dubbellång på något som tillfredsställande sätt. [C]

'Femme fatale'(2002)
Dubblar prickar De Palma-filmografin liberalt (liksom “;Besatthet”; som finns på den här listan, där ’; s “;Kropp dubbel”; “;Klädd för att döda,”; “;Att höja Kain”; och till och med “;Omöjligt uppdrag”; har de maskerna), och han har varit känd för att använda dem till halvvägs anständig effekt, vilket tillåter honom att kanalisera sina Hitchcockian-impulser till lurviga berättelser om splittrade identiteter. “; Femme Fatale, ”; är emellertid inte en av dessa tider, med doppelgangern här fungerar som en värdelöst kontrad intressepunkt i en redan översträckt berättelse som [spoiler alert] visar sig mestadels ha varit en dröm ändå. Förrådde hennes team efter en involverad juvelhistist vid Cannes Film Festival, den sexiga Laure (Rebecca Romijn) går i sexig gömning men misstas av en annan sexig kvinna, som bekvämt begår självmord, lämnar ett pass och en flygbiljett här ute. Allt är bra tills åren senare återvänder hon till Paris, nu gift och monierad, och hennes gamla gäng plockar upp hennes spår ännu en gång. Och sedan inträffar den enorma ögonblickande vridningen och vi går tillbaka till nästan fyrkantig på det hela innan några lika otroliga saker händer och filmen bestämmer sig för att avsluta. I motsats till De Palma-ursäktarna som insisterar på att det här är väldigt väl vetande och därför mycket roligt, för oss är filmen rakt och bländande grymhet bara uppfattar som respektlöst mot sin publik och hjärnan, även om vi ska erkänna att Rebecca Romijn ’; s striptease kvarstår en klassiker av den tvivelaktiga kanonen. [D + / C-]

“;Sutur”; (1993)
Medan vi vanligtvis inte är fans av filmen med stil-över-substans, finns det några tillfällen där stilen mer eller mindre blir ämnet, och “;Sutur”; regisserad av Scott McGehee och David Siegel (teamet bakom förra året ’; s undersökt “;vad Maisie visste”;), och fördömde tidigt av Steven Soderbergh, är ett sådant fall. Skott i skarpa, grafiska, ibland förblindande svartvita och så noggrant konstruerade att nästan varje skott känns som ett videokonstverk (ett av våra favoritmoment är en konversation som händer över en biltak som skjuts från en långsamt sjunkande POV), filmen har också de främsta av självmedvetna filmiska lokaler: de två lederna spelar nästan identiska bröder, som ingen i filmen kan skilja ifrån, men de framställs av den svarta Dennis Haysbert och det vita Michael Harris, två skådespelare som är lika ansikts- och fysiskt olika som de är vad gäller hudfärg. Men tydligt att inrama denna fascinerande idé för användning som en styrhöjd kring vilken man kan utnyttja öppna teman med identitet och dess sociala konstruktion, tappar Siegel och McGehee den tråden lite, blir distraherad, i vägen för neofytregissören, av noir-plottfångarna att de också inkluderar - dubbla korsningar och mord och förfalskade dödsfall som tyvärr försämrar lite, i deras komplexitet och också genren, från det verkliga psykologiska mysteriet i filmens kärna. Ändå är detta en oerhört uppfinningsrik arthusfilm, som kan skryta med bilder som har förblivit levande i vårt minne under de två decennierna från första tittandet på det och nu. [B +]

“;Anpassning”; (2002)
Regisserad av Spike Jonze, och skriptat av meta-master Charlie Kaufman, “; Anpassning ”; är en flerskiktad metabiografi om flera manusförfattare som kämpar för att anpassa en bok. Att karaktären heter Charlie Kaufman (spelad av Nicolas Cage) är den första av filmens riff på dubblar och identitetsomkopplare, men att ha Cage spela identiska tvillingbröder är den mer centrala, med bror Donald inte bara mindre torterad och mindre begåvad än Charlie, men ironiskt nog naturligtvis mer framgångsrik. I själva verket använder Kaufman och Jonze här det dubbla föreställningen som ett sätt att arbeta genom upptagen med den kreativa processens natur, med Charlie som representerar självtvivel och osäkerhet för potentiellt geni, och Donald, den id-driven, lättsam, Robert McKee-följande dilettante. Den ultimata slutsatsen naturligtvis (som så många filmer som använder dubbletter för att utforska uppfattningar om schism och dualitet) är att varken och båda tillvägagångssätten har rätt och det är först när en syntes av de två inträffar att Charlie skriver sitt manus, vilket kanske inte är den han hyrdes in för att skriva, men är i själva verket filmen som vi just har sett. Vilket förmodligen skulle göra det enklaste Charlie Kaufman-manuset någonsin om det var allt där, men naturligtvis lägger han inte bara in bokens berättelse, utan berättelsen om att skriva den bok som hans manus är (nu bara tangentiellt) baserat. Och en alligatorattack. En sådan komplex krossning av sanning kontra fiktion det är inte konstigt att det tog två av honom att skriva det; vi kan bara gissa på antalet alter ego som han var tvungen att göra för att fullborda sin förlamande lysande regissedebut “;Synecdoche, NY. ”; [A-]

“;doppelganger”; (1993)
Skulle vi följa vår mamma-instruktion om att “; om du inte kan säga något trevligt, säger inte något alls ”; vi ’; d vara hårt drivit för att fylla till och med en fjärdedel av vårt korta ord räkna på detta fruktansvärda Drew Barrymore fordon, från storhetstiden för hennes “; inte en barnstjärna längre faktiskt en helt sexig dålig tjej ”; period. En hemsk, hemsk, bara väldigt dåligt komplott, som kryssar av för varje enskild låda som finns i den sensationalistiska handboken i ingen särskild ordning och utan särskild logik (övergrepp mot barn, sinnessjukdom, mord, sexig dans, blasfemi, förförelse, förräderi, otillbörlig nakenhet, otillbörligt bärande av hemskt bakåtriktat baseball historien involverar en ung kvinna som flyr till LA efter mordet på sin mamma, som förföljs där av sin mördande dubbla, som bär en något mörkare skugga av läppstift och är supergod att lura. Något som broder som dödade sin far (eller gjorde han?) Något som krymper (eller är han?) Som visar sig ha på sig ansiktet, något som hon delar upp i två blodiga skelett och skjuter ut honom från ett målat glasfönster (eller gör hon?) (nej egentligen, det gör hon faktiskt). Den enda glädjen filmen har att erbjuda är i dess förfärlighet och bedöms på den matrisen, prestanda Och Shor när FBI-agenten (eller är han?) tar en del slå, ett slag som borde ha reserverats för den som trodde att denna hög med skit förtjänade en greenlight. [F]

“;Dave”; (1993)
Medan det nästan är något av en subgenre med dubbla filmer som beskriver utbytet av en politisk ledare med en lookalike (“;The Great Dictator”; och “;Kagemusha”; finns båda någon annanstans på den här listan, medan “;Månen över Parador”; är en annan riff på samma) för komiska ändamål är vår favorit förmodligen detta Ivan Reitman-riktad, Gary Ross-skriven film med huvudrollen Kevin Kline och den perfekt frostiga men tina Sigourney Weaver. Det är naturligtvis en slags fantasionsvision om den anständiga, vanliga killen som trumpar om den inkräktade korruptionen och cynismen i maktstrukturen i Washington och till och med vinner kärleken till en bra kvinna under tiden, allt samtidigt som man begår det mest upprörande odemokratiska bedrägeriet för det amerikanska folket, men skämtna är tillräckligt dumma när de ’; inte är dumma för att låta hela saken spruta ändå behagligt. Och verkligen är det Kline & ss film, och han ’; s så bra som den sötmodig, anständiga Dave, att vi inte ens tänker på att kontrasten till den försvagande, liggande jäveln av en president han ersätter (och också spelar ) är ganska för överdrivet för komfort. Frank Langella spelar stabschefen och chefsmanipulatorn (decennier innan han ’; d får spela Manipulator-in-Chief Richard Nixon), medan Ben Kingsley har en liten men sympatisk roll som VP i vad som mest är en oerhört rolig skummande komedi, men en som ibland blottar sina antikonservativa tänder till god effekt. [B]

“;Försvunnen motorväg”; (1997)
Mycket av David Lynch’; s senare dags produktion har varit uppmärksam på dubblar, skiftande identiteter och artister som är i konflikt med sina roller, så mycket att båda “;Mulholland Drive”; och “;Inland Empire”; kan lätt också visas på denna lista. Men vi värdesätter vår förnuft för mycket för att skriva om alla tre och har därför valt den första av hans resor till detta territorium och på många sätt de mest förbises. För en filmskapare som aldrig exakt gifte sig med tanken om berättande linearitet, “; Lost Highway ”; representerade det första riktiga skottet över pilbågen för vart han ’; är på väg i framtiden, och även om det kanske inte uppnår samma nivå av rikedom, struktur och känsla av att “;Mulholland Drive”; skulle, det är fortfarande en ganska fascinerande övning i mindfuckery om du & Lynch fans som oss. Här Patricia Arquette tar en dubbel roll (Renee / Alice), medan Bill Pullman (Fred) och Balthazar Getty (Pete) spelar olika män som vid olika korsningar förvandlas till varandra. Den starkt stiliserade, cirkulära, noir-påverkade handlingen som involverar Fred som skickas till dödsraden för mordet på hans fru Renee, bara för att förvandlas till Pete i sin cell som sedan släpps, och inleder en affär med sin chef ’; älskarinna Alice, är så intrikat och gåtfull att det kan vara frustrerande för alla som letar efter en mer uppslukande upplevelse. Men ur ett annat perspektiv är den ovanligt kliniska tonen som Lynch bär här också lämplig för vad som mest är en cerebralövning inom gendekonstruktion och en smart, om du är villig att investera. [B-]

“;Dead Ringers”; (1988)
Identiska tvillingar har varit en grund för berättelsen sedan shakespearesiska tider (nämligen hi-jinks till “;Komedi av fel”; och “;Tolfte natten”;) ända fram till den moderna tvålopera-tropen för att få tillbaka en populär skådespelare efter att hans karaktär har dött via denna praktiska twist. Men det som gör denna Cronenberg-film till en nödvändig inkludering här är inte tvillingaspekten lika mycket som där regissören, med hans varumärke kyliga cerebralitet, för med sig den - till riket av suddig identitet och fragmentering / sammandragande personlighet, dubbelriket. (“;Föräldrafällan”; det är inte ’; t). På vissa sätt är apotheosen från Cronenbergs fristående stil gift med den mest svaga materialet, här Jeremy Irons spelar tvillingarna, båda gynekologer, som ärligt talat redan är det mest begripliga konceptet, redan innan de avslöjas för att dra ofta kopplingar på sexpartner och fördjupa sig i hallucinatorisk vansinne (de &gdquo; gynekologiska instrumenten för att arbeta på muterade kvinnor ”; måste vara bland de mest störande rekvisita som någonsin har utvecklats för en film). Deras sjukande symbiotiska förhållande, som blir allt mer förstörande när de besväras av deras engagemang med en viss kvinna (Genevieve Bujold, som visas för andra gången på denna lista) borde verkligen vara saker av potboiler melodrama, men Cronenberg ’; s snäva isiga tonstyrning gör detta mycket mer lumskt än dess lurviga logline kan antyda, och levererar en snuskig tomt som på något sätt rycker inte av blod och gore, men av antiseptisk. Och vi älskar lukten av antiseptisk. [B +]

“; Obsession ”; (1976)
Med 'Besatthet, ”De Palma och manusförfattare Paul Schrader gick till jobbet omkonfigurera 'Vertigo”Som en expansiv, genererande sydgotisk thriller, full av mord, intriger och möjliga incest. När Cliff Robertson'S hustru och lilla barn dödas under en bortskämd kidnappning, han blir förvirrad med skuld, men tjugo år senare inträffar något mirakulöst när han möter en kvinna som kan vara den exakta dubbelen för sin döda fru (spelas av samma skådespelerska, Genevieve Bujold). Han blir förälskad i henne, men blir offer för en kidnappande tomt som hemskt påminner om den ursprungliga operationen som fick hans fru och barn dödade. (I Schraders galna originalutkast fanns det en tredje avsnitt där händelserna återuppspelades igen, ställs in inom en snar framtid.) Medan De Palmas ursprungliga version drev förgrunden den stora twisten mer (SPOILER den nya kvinnan Robertson har förälskat sig i är faktiskt hans dotter) den släppta versionen var härdad av implikationen att incestvinkeln var en dröm. Det är inte mycket meningsfullt men det passar verkligen in i filmens diffusa, drömliknande estetik (uppnås mest av William Sigismund'S disiga film och Bernard HerrmannÄr en väldigt romantisk poäng) och fick en film med en incestplott en PG-klassificering. Dubblarna i 'Obsession' är den mycket bokstavliga framställningen av synderna från det förflutna som återbesöks i nutiden, och de fungerar som en kortfattning för att förbinda De Palmas verk med Hitchcocks mästerliga original. Medan det ofta förbises är 'Obsession' en solid post i De Palmas kanon, där det är svårt att ta reda på vad som är verkligt och vad som bara är mörkt bläck i spegeln. [B]

“;Svart svan”; (2010)
För alla dess hallucinerande bilder och skurrande berättelser, Darren Aronofsky’; Svart svan”; koncentrerar ett skår av klichéer till ett mycket direkt resultat; det är en utforskning av ouppbunden psykisk sjukdom på nivå med Roman Polanski’; s “;Repulsion”; —om all tvetydigheten i den filmen upplöstes och du satt kvar Catherine Deneuve skriker sina teman till världen. Men Aronofsky ’; s thriller lyckas i slutändan på grund av hur intensivt och mästerligt det presenterar sina gotiska konventioner: den spökade hjältinnan (Natalie Portman’; s ballerina Nina Sayers), den parasitiska modern (Barbara Hershey) och naturligtvis doppelgangern. Mila Kunis kommer in i bilden tidigt som Lily, den professionella rivalen till Nina och hennes engagerade danskarriär, och att hon kan tjäna som Ninas mörkare halva - befriad, impulsiv, rovdjur - är ingen berättande hemlighet för Aronofsky. När Lily långsamt infekterar Nina med paranoia, önskan och ett ännu större behov av att uppnå perfektion, använder regissören varje reflekterande yta runt för att förmedla Nina ’; s förtryckta känslor, som nu externiseras framför henne. Den viscerala karaktären hos Aronofsky & ss filmskapande, tillsammans med Clint Mansell’; s driver klassisk poäng, gör Nina & ss gradvis omvandling som storslagen, grotesk och (tack och lov) ibland humoristisk; det är Portmans engagerade prestanda som gör det intimt och tragiskt. [B]

“;Besittning”; (1981)
Andrzej Żuławski'S vilda, galna, skrämmande 1981 psykologiska skräckmonstrositet, är faktiskt en film med dubbla dubbel: Isabelle Adjani spelar Anna och Helen, oförklarligt identiska utseende kvinnor som båda är inblandade i Sam Neillkaraktär, som själv konfronteras med sin spegelbild i slutet av filmen, men inte före en riklig mängd psykos, förråd, blodsläckning och anmärkningsvärt grafisk sex med snedställda enheter av osäker och oroande extraktion: att beskriva handlingen som sådan är en något meningslös övning, eftersom det mest är en övning i humör, atmosfär och psykologisk uppmaning. En fransk produktion, den är verkligen skyldig mer till ławuławskis ursprungliga Polen och ligger i Berlin under det kalla kriget: det är en mycket östeuropeisk berättelse om spioner, paranoia och namnlösa, slipande dreadar, som den dementa, tentacled lovechild av Kafka och torget. Den östliga blockens dysterhet kommer också ut i färgerna, tvättade gråtoner och blues som ger bakgrunden till många sprayer av skrämmande livligt blod. “; Innehav ”; är ovanligt också för att uppnå en annan, sällsynt handling fördubblas: det är både en mycket effektiv bit av psykologisk, mental skräck och en otroligt kraftfull instans av visceral, fysisk skräck. Få filmtillverkare som tidigare eller sedan har korsat såväl klyftan som Żuławski, och så kan han förlåtas för det faktum att filmen mer eller mindre ständigt överdrivet och överspela och ofta tenderar till absurditet: det är mer effektivt på det sättet. [B +]

“; Schizopolis ”; (1996)
Filmen som räddade Steven Soderbergh’; s karriär - filmskaparen hade blivit alltmer frustrerad över sitt arbete efter “;Sex Lies & Videotape”; och gick vidare till sina största framgångar efter denna smakrengöring - “;Schizopolis”; var den mest idiosynkratiska och experimentella filmen av Soderbergh fram till dess. Projektet finansieras ganska mycket av regissören, och stjärnorna Soderbergh själv som både kontorsdron Fletcher Munson, som arbetar för en L. Ron Hubbard-guru, och Dr. Jeffrey Korchek, en tandläkare som har en affär med Munson ’; s fru (spelas av Soderberghs egen ex-fru Betsy Brantley). Vi vill verkligen inte ge intrycket att filmen har en verklig intrig - den är en nedslående, rastlös verk, lekfull men akademisk och besatt av språk utöver allt annat (det första avsnittet ser Munsons tala helt i beskrivningar (“; Generisk hälsning. ”; / ”; Generisk hälsning returnerade ”;), medan den tredje akten ersätter en del av handlingen på japanska eller franska. Som sådan spelar fördubblingen en relativt liten del av helheten, men den ’; är fortfarande fascinerande att se i handling, delvis på grund av hur det ’; s lagras i hela (Mrs Munson får också sin egen dubbla, som Korchek också faller för), och delvis på grund av hur dubblarna kastas: genom att spela fördubblar sig själv, Soderbergh verkar gräva in i människans dualitet och själv, ännu mer uttryckligen än andra i genren. [B +]

“;The Great Dictator”; (1940)
Släppte bara ett år till WWII, Charlie Chaplin sade därefter att om han hade känt till skräcken i koncentrationslägren vid den tiden, skulle han aldrig ha gjort “; The Great Dictator ”; som vid den tiden kan tyckas överdriva nazistregimens omänsklighet för komisk effekt, men i efterhand faller det faktiskt långt under den otänkbara sanningen. Men det är fortfarande en prescientfilm, speciellt med tanke på dess tidpunkt - faktiskt, under produktionen hade Chaplin fått höra att filmen skulle förbjudas i Storbritannien eftersom de fortfarande fortsatte sin politik för tillfredsställelse med Nazi-Tyskland (under alla omständigheter var det starkt befordras där och extremt framgångsrik). Chaplin spelade och spelade den dubbla rollen av Adenoid Hynkel, den megalomaniska diktatorn med en förkärlek för Wagner, och den judiska frisören som så liknar honom att de misstar varandra. Chaplin skrev också och regisserade filmen, hans första ordentliga talkie. Och medan knockabout-fördubblingen komplott förlitar sig på samma stridigheter som senare dags riff som “;Moon Over Parador”; och “;Dave”; punkten i denna strävan är fortfarande hisnande och ibland, när satiren möter sin match i tålighet, väldigt rolig, som i den tyska pidgin som översätts kurt av en berättare i BBC-stil. Att alla matstrider och bältesprickor och fall över kulminerar i ett omrörande, minuter långt tal som är en vältalig vädjan för tolerans och fred som inte verkar komma från den barberklädda-som-Hynkel men direkt från Chaplin till folket i en krigsfördärvad värld, lämnar oss i bitar även i dag. [A-]

“;Hyresgästen”; (1976)
Om det någonsin fanns en mästare i skärningspunkten mellan läskig skräck och snygg komedi, kan det vara det Roman Polanski under hans sena 60- till mitten av 70-talets körning där han levererade sådana serio-komiska-skräckmästare som “;Repulsion”; och “;Rosmarin ’; s Baby. ”; Nära slutet av denna bördiga period 'Hyresgästen”Anlände, beskrivs som den tredje delen, efter de två tidigare nämnda, av hans psykologiskt klaustrofobiska “; lägenhetstrilogi.” Samskrivet, regisserat av och med huvudrollen i Polanski, centrerar det på Trelkovsky, en otydlig, naiv ung man som hyr rummet från helvetet i en skrämmande byggnad. Bara några dagar innan hade den obehagliga tidigare hyresgästen hoppat ut från det andra våningen i ett hysteriskt försök att begå självmord, och efter denna upptäckt besöker Trelkovsky henne på sjukhuset; hon dör kort därefter. Vid den tidpunkten börjar han bli besatt av henne - hennes berättelse, hennes vanor - och medan de andra grannarna behandlar honom med misstänksamhet och förakt blir Trelkovsky allt mer paranoid, tills galenskapen överträffar honom och en dubbelklädande personlighet dubbel uppstår. Om de två första filmerna i trilogin utnyttjade psykiska / känslomässiga nedbrytningar och social främling, då “; Hyresgästen ”; utnyttjar dessa teman med en ömtålig kant av humor, som Polanksi utan tvekan skjuter längre än han gjorde med “; Rosemary ’; s Baby, ”och även om den dåligt mottogs vid den tiden (många antingen inte kunde förstå sin tonaldans eller känsla det jämförde dåligt med “; Rosmarin ’; s Baby ”;), det har senare säkrat sin plats som en kultklassiker (och Kriterium, om du kommer att släppa den ganska torra Polanski-bilden “;tess”; vad är det här?) [B +]

“; Kagemusha ”; (1980)
Efter ett relativt tyst decennium (1975: s ​​atypiska mästerverk “;Dersu Uzula”; var hans enda film under de föregående tio åren, efter att ha varit lamslagen av depression under mycket av tiden), Akira Kurosawa kom brusande tillbaka med sin ögonsmältande fantastiska återgång till samurai-eposet, en som inledde en produktiv sista period av den japanska mästarens arbete. Ett östligt tar på sig en bekant tomt som går från “;Mannen I Järnmasken”; till “;Fången från Zenda,”; den ser en namngiven tjuv (Tatsuya Nakadai) gå in för att ersätta den döda krigsherren som han har en slående likhet, i ett försök att hålla klanen tillsammans. Kagemusha tar oväntat till jobbet, men snart tappar mer eller mindre tanken som ett resultat. För en tre timmars film är det en relativt enkel berättelse, men Kurosawa hittar verklig psykologisk realism i sin titelkaraktär - det är en av de mer övertygande tittarna på vad det är att gå i en annan mans skor, tack vare en fantastisk prestanda av Nakadai (som ersatte “;Zatoichi”; stjärna Shintaro Katsu, som lämnade efter den första dagen). Och naturligtvis är det verkligen spektakulärt. Kurosawa hade rent och färgstarkt skjutit många år på att planera det med storyboards och målningar, och det visar med stridsscener i en skala och omfattning att dvärg Kurosawa ’; s tidigare samurai bilder (endast de efterföljande “;Ran,”; som fungerar mycket som en följeslagare till detta, kan överträffa det i genren). Det är kanske lite mindre älskat bland allmänheten än de mest kända av Kurosawa ’; s bilder, men även om det ibland är lika ojämnt, tycker vi det är lika närande. [A-]

“;Konstig efterligning”; (1946)
Ett tidigt inträde i filmografin av Anthony Mann, vem skulle gå vidare för att bli mer associerad med den västerländska genren inklusive “;Winchester ‘ 73”; “;Mannen från Laramie”; och bästa bildvinnare “;Cimarron”; “; Strange Impersonation ”; ser Mann tackla film noir-genren med initialt spännande men slutligen dumt överarbetade resultat. Nästan LOL-värdiga för närvarande för att driva sin berättelse, som i princip är en utökad försiktighetsberättelse om hur kvinnor, oavsett hur professionellt begåvade, ska gifta sig så snart de kan, annars kommer dåliga saker att komma över dem, filmen följer vacker, smart kemist Nora (Brenda Marshall) när hon blir offer för planeringen av sin betrodda assistent Aline (Hillary Brooke) medan hon separat utpressas av en tredje kvinna, Jane (Ruth Ford) som hon dödar i en blandning. När hon faller (hilariskt) rakt på ansiktet, misstas Jane för Nora, vilket passar Nora som sedan har operation för att se ut som Jane och plottar hennes hämnd på den dubbla Aline som nu är gift med sin fästman. Allt klart? Nej? Tja, det blir ännu mjuktare därifrån, med den fruktansvärda opålitligheten hos kvinnorna bara något utjämnade men den mänskliga dopinessen, särskilt den fästman / manfiguren som pinglar mellan alla tillgängliga kvinnor som en pinball. I själva verket är du kanske just på väg att slänga in handduken när filmen gör exakt det med sin riskabla slutliga vridning. Inte allt som noir är klassiskt … [C-]

“;Måne”; (2009)
En av våra senaste sci-fi-filmer under de senaste åren, “; Moon ”; är också symboliskt för en annan underkategori av dubbelfilmen — klonfilmen. Men vi har valt att inkludera det över andra exempel som “;Ön”; eller “;Låt mig aldrig gå”; för här möts klondubblarna ansikte mot ansikte och tillbringar lite tid på att interagera, och ifrågasätter den typ av ontologiska frågor om identitet, mänsklighet och minne som de bästa doppelgangerfilmerna alltid berör. Få ut det mesta av en vackert skarp, retro-futuristisk produktionsdesign som gör mycket på en stram budget, Duncan Jones’; filmen följer Sam (Sam Rockwell) en månastronaut engagerad i en treårig kontraktsbrytning på månens bortre sida. När en olycka inträffar vaknar Sam upp utan minne av det, men bitar leds ihop tills han går ut för att upptäcka en lite äldre version av sig själv, medvetslös men levande på kraschplatsen. Förhållandet mellan de två, sticka och misstroende till att börja med men utvecklas med tiden, spelas vackert och subtilt i båda roller av Rockwell, och till och med den svaga låtningen i filmens epilog kan inte helt förstöra den vackra, mänskliga ensamheten och längtan efter att resten av filmen väcker så rörande. Bedrägligt enkelt, det är ett bevis på att det ofta med science fiction, det är det stillaste vattnet som rinner djupast, och det är det högsta komplimentet vi kan betala när vi säger att det förtjänar att ta sin plats tillsammans med andra sådana världen utanför världen meditationer som “;Tyst löpning”; “;2001”; och “;Solaris. ”; [A-]

Hedersomnämnanden: Bland de titlar som vi övervägde för inkludering kom den senaste historien upp Mike Cahill och Brit Marling'S'En annan jord' och den Dominic Cooper fordon 'Djävulens dubbla”Som filmer som har spelat med föreställningen. Annars inkluderar bättre känd biljett från 1960-talets Disney-klassiker 'Föräldrafällan”Och dess Lindsay Lohan-stjärna remake, swashbuckler “Fången från Zenda,”Olika anpassningar av”Prinsen och pausen,”Och flera tar på Alexandre Dumas' 'Mannen I Järnmasken”(1998 Leonardo DiCaprio-Stjärna tar förmodligen att vara den mest kända, men eftertryckligen inte den bästa).

Preston Sturges' bra 'The Palm Beach Story”Har fördubblats, liksom komedi från 1988”Moon Over Parador,”Med Richard Dreyfuss som en skådespelare som dubblar för en sydamerikansk diktator, tillsammans med Frank Oz och Steve Martin'Är utmärkt'Bowfinger. ” Bertolucci1968 'Partner”(Inte en av hans bättre filmer, det ska sägas), anpassar samma Dostojevskij-roman som inspirerade Ayoades”Det dubbla. ”Slutligen övervägde vi också Robert Altman'S'Bilder”Och Ingmar Bergman'S'person,”Men medan de är släkt relaterade, är de inte strikt doppelganger-filmer, de handlar mer om personlighetens konflikt, som, om du tittar på det här utrymmet, kan vi köra en helt separat funktion på en dag snart. Men låt oss veta vilka filmer, om några, har fått dig att hoppa till din egen reflektion efter att ha tittat. -Jessica Kiang, Oli Lyttelton, Rodrigo Perez, Ben Brock, Charlie Schmidlin och Drew Taylor